Elementos del Arte PDF Imprimir E-mail
Escrito por Beatriz Ramirez   
Martes, 08 de Diciembre de 2009 12:05
Elementos del Arte:
  1. Vanguardias.
  2. Instituciones.
  3. Protagonistas.
  4. Estéticas.
  5. Órganos de difusión.
  6. Relaciones con el contexto socio cultural donde surgieron.

Estimados colegas, bienvenidos a este espacio de análisis y reflexión donde de acuerdo con lo dicho comenzaremos con el Pop Art.

Toda vez que conversamos o analizamos acerca del arte, surge la misma pregunta: -¿Qué es una obra de arte?- Interrogante que filósofos y teóricos se realizan constantemente con relación al arte contemporáneo. La pretensión de este proyecto es la presentación y reflexión acerca de los acontecimientos artísticos, ocurridos en la segunda mitad del Siglo XX, y colaborar con la configuración de un criterio propio.

 

 

De la abstracción al pop-art

Me pregunto, ¿Qué saben acerca del Pop Art? Tal vez, ¿sus características principales? Quizás conozcan dos o tres artistas representativos. A lo mejor han elaborado una definición propia del Arte Pop. De ser así, ¡fantástico! los invito además, a compartir vuestras reflexiones, conclusiones o interrogantes para participar de una construcción colaborativa del conocimiento.


Por lo pronto ubiquemos al Pop Art en la cronología esto es, segunda mitad del siglo XX. Se desarrolló paralelamente en Inglaterra desde mediados de los 50 y en Estados Unidos durante los 60. Sin embargo, ningún acontecimiento surge espontáneamente sino que sobreviene como consecuencia de determinados hechos. ¿Qué ocurría luego de finalizada la II Guerra Mundial? El mundo quedó dividido en dos grupos, uno comunista con influencia en Europa del Este y liderado por la URSS. El otro, capitalista con influencia en Europa Occidental y liderado por EEUU. Este dato no es menor ya que, nos permitirá comprender la causa del liderazgo de Estados Unidos en las artes plásticas, y la razón por la cual el "expresionismo abstracto" fue propiciado por las políticas de estado.


Estados Unidos en la década del 30:

  • En primer lugar, toda la renovación artística se había producido siempre en unos pocos países de Europa esto es, Francia, Alemania e Italia. Allí, se habían sucedido casi todos los grandes movimientos de vanguardia.
  • Estados Unidos experimenta el crack de la Bolsa, la gran depresión, y el auge del fascismo en Europa.
  • Existían el movimiento regionalista -American Scene- y el realismo social (pinturas realismo social norteamericano)
  • Una fuerte ideología socialista donde se pintaban temas de la marginalidad, la inmigración y la pobreza constituía la pintura de ese tiempo. Un arte de realismo social y sin rupturas lingüísticas que lo afectaran, como de hecho había ocurrido con las vanguardias producidas en Europa.
  • Existía la necesidad de enviar artistas a las Muestras Internacionales y Bienales europeas y esta iconografía, no se consideraba representativa de una Norteamérica pujante y con un marcado interés por diferenciarse.

Sin embargo, finalizada la Segunda Guerra Mundial, hallamos una Nueva York pujante con relación al Arte como consecuencia de una serie de circunstancias que propiciaron notorias diferencias en el arte estadouniense:

  • La cantidad de gente viviendo en Estados Unidos por causa del exilio. A partir de 1939, cada vez mayor número de pintores de París desembarcan en Nueva York.
  • El taller de Hoffman, pintor alemán formado en el conocimiento del expresionismo alemán, por donde pasó Jackson Pollock.
  • Surrealistas, como André Breton y Max Ernst, viviendo en EEUU.
  • Pintores de otra tendencia; desde Piet Mondrian hasta Joseph Albers, de la línea del experimentalismo de la Bauhaus. (Ver series de su "Homenaje al Cuadrado", iniciada en 1949).
  • Difusión de las filosofías existenciales.

Al "Expresionismo Abstracto" le tomó diez años (1946 - 1956) su afirmación sin embargo, este movimiento absolutamente estadounidense dentro del arte abstracto, lleva a EEUU a liderar las artes plásticas. Dentro de esa primer camada norteamericana aparece la figura de Pollock (obra aquí) Su pintura chorreado, goteado y, el uso del esmalte industrial, está directamente relacionado con la actitud del hombre frente al mundo. Giulio Argan, señala esta actitud de parte de las inmediatas generaciones de post-guerra, como la expresión de una urgencia por demostrar el existir, por dejar huella, marca. Entonces para Pollock, la acción sería la manifestación del existir produciendo además, una renovación lingüística independiente, aunque relacionada con lo que pasaba con el informalismo, de lo que ocurría en Europa (aquí pinturas Informalismo europeo).

En ese contexto de la Guerra Fría dos críticos de arte, Clement Greemberg y Harold Rosenberg propusieron un giro ideológico y presentaron a Pollock como el pintor "no ideológico", capaz de representar a Norteamérica en una Bienal europea, con un arte distinto. Esta nueva manera de pintar entre los artistas que vivían en Nueva York suscitó dos tendencias:
  1. El Action Painting
  2. La Pintura de los campos de color.

La política oficial del Estado apoyó esta iniciativa y posibilidad de presentar un arte diferente del europeo, y distinto también del arte norteamericano enviado hasta ese momento a las muestras internacionales. Jackson Pollock fue un éxito internacional y esto, sin lugar a dudas, tiene que ver con la renovación realizada; absolutamente independiente de lo que ocurría en Europa.

Ahora bien, ni este nuevo lenguaje pictórico, ni la desesperación del hombre sobreviviente de la Guerra, tampoco la necesidad de reconstruirse a sí mismo o de dejar la huella de su existencia por haber perdurado. Nada de todo esto le interesó a la nueva generación.

En 1959, Peggy Guggenheim, luego de 12 años de Vivir en Venecia, regresaba a Nueva York. Para su sorpresa todo había cambiado.
  • El movimiento artístico había devenido en una enorme aventura comercial.
  • Tanto individuos como grandes industrias participaban en el desarrollo de la vida cultural.
  • La clase media y el sistema fiscal, mediante el cual se permitía deducir de la ganancia declarada la contribución a organizaciones sin fines de lucro, impulsaron museos, fundaciones privadas y la difusión nacional e internacional de las obras de arte.
  • También se había concedido un lugar a la educación artística, dentro de los programas de colegios y universidades.
  • Las tendencias del pasado y del presente tenían su espacio, galerías de Arte como la de Julien Levy o la de Pierre Matisse, difundían el surrealismo. Edith Halpert, con su Downtown Gallery, presenta tanto la obra de Stieglitz, Picabia, Duchamp, Clarence White, Steichen; como también la de artistas recientes. Peggy Guggenheim, impulsaba los comienzos de Pollock. - Galerías, individuos, museos y varios organismos convirtieron, hacia 1960, Nueva York en la capital de un amplio mercado de obras de arte.

La siguiente generación, perteneciente a Raushemberg y Jasper Jones, encuentra en el "expresionismo abstracto" un lenguaje propio de una generación sobreviviente de la Guerra. Por lo tanto, absolutamente carente de interés para ellos. No les importaba la desesperación del hombre que sale vivo de la Guerra, tampoco la necesidad de reconstruirse a si mismo. Les ocupaba y preocupa la nueva sociedad del objeto de consumo y el objeto de consumo; esto dará origen al POP ART. Como se puede apreciar, ambas tendencias, están relacionadas con el cambio de horizonte histórico norteamericano y no con relación a un lenguaje recibido de otro lado.




Inglaterra en la década del 30:


Consideremos ahora, el mismo período de tiempo y las circunstancias en Inglaterra. La Primer gran diferencia con EEUU es que en su tierras y ciudades se padeció la destrucción de la Guerra. Esa terrible experiencia, representó un quiebre en la evolución de la pintura, cuyo rasgo dominante fue la angustia. Las formas angulares de los escultores de la época fueron bautizadas como "Geometria del miedo" Hacia 1948 hubo un importante movimiento hacia la abstracción no obstante, en 1950 la nueva generación de artistas atraídos por la pintura de Francis Bacon y el empleo que éste hacía de imágenes fotográficas, produce otra ruptura. A estos artistas, no les interesaba la desesperación, la autorenconstrucción, ni nada propio de los artistas de la época anterior. Estaban interesados en la nueva sociedad del objeto de consumo. Luchaban por volver a un arte más figurativo y objetivo, a diferencia de la subjetividad y la casi inexistente figuración del "expresionismo abstracto" Conviven en la sociedad de ese tiempo, eufóricas perspectivas de progreso junto a puntos de vista catastrófico-pesimistas. Por ello justamente, la sentencia Pop Art, creada por Lawrence Alloway, devino término general, para los fenómenos artísticos directamente relacionados con el estado de ánimo de la sociedad de ese tiempo. Pop, como contraseña ingeniosa

Work in progress




B I B L I O G R A F I A

HUYGHE, RENÉ. "El Arte y el mundo moderno" Barcelona, Planeta, 51-53

LÓPEZ ANAYA, JORGE "Estética de la incertidumbre" Santiago de Chile, Ograma, 1999

 

CATALOGOS

ALLOWAY, LAWRENCE. "American Pop Art. New York and London" Collier Books and Collier Macmillan Publishers in association with the Whitney Museum of American Art, 1974.

HILLS, PATRICIA and TARBELL, ROBERTA K. "The Figurative Tradition and the Whitney Museum of American Art". Whitney Museum of American Art, New York in association with Newark: University of Delaware Press London and Toronto: Associated University Presses 1980

MILLER, DOROTHY and BARR, ALFRED H Jr, with statements by the artists and an introduction by Kirstein Lincoln. "AMERICAN REALISTS and magic realists" The Museum of modern art. Nueva York. 1943

 

Compilación:

ARTE Y ESTÉTICA CONTEMPORÁNEA, prof. Jorge López Anaya. Academia del Sur 1999



CC

"Proyecto Cruz del Sur" copyright - Beatriz Ramírez -2009. Algunos derechos reservados "Proyecto Cruz del Sur" está bajo una licencia cc-ar by-nc-sa 2.5
Última actualización el Martes, 08 de Diciembre de 2009 15:03
 

Patrocinadores

Auspiciado por:
-ESFUERZO ARGENTINO- -100% Tracción a Sangre- -AHIN co. Trabajo-